Verónica Castillo es una artista de renombre internacional originaria de Izúcar de Matamoros, Puebla, México, y actualmente radicada en San Antonio, Texas. Desde muy joven, bajo la tutela de sus padres, los renombrados artistas Don Alfonso Castillo Orta y Doña Soledad Martha Hernández Báez, fue expuesta a la técnica artística de trabajar en cerámica policromática, una tradición transmitida de generación en generación. Verónica continúa desarrollando estas tradiciones, a la vez que se centra en temas contemporáneos de injusticia y desigualdad. Sus exposiciones han obtenido reconocimiento nacional e internacional, desde el Smithsonian de Washington DC hasta el Museo Nacional de Arte Mexicano de Chicago, pasando por el Museo Amparo de Puebla (México). En 2013, Verónica Castillo recibió el National Endowment for the Arts National Heritage Fellowship Award. En 2023, Verónica recibió el Catalyst for a Change Fellowship Award de NALAC y la UTSA Democratizing Racial Justice Artist Residency. Es propietaria de E.V.A. (Ecos y Voces de Arte), una galería en la zona sur de San Antonio. Junto con una red internacional de artistas, E.V.A. ofrece el espacio y el apoyo necesarios para que prosperen diversas formas de arte cultural.

Siento una profunda gratitud por mi trabajo con el arte y con la comunidad que me rodea. Trabajo con los elementos de la vida: agua, tierra, fuego y aire. No tendría mi calidad de ser humano si no hubiera apreciado todo lo que la vida me ha dado para ser un administrador en dar forma y voz a través de la tierra. Si no fuera capaz de compartir este legado que mis antepasados me han dado a través de este arte, si no lo compartiera con los demás, estaría cayendo en una contradicción. Estaría buscando justicia para la Madre Tierra y no tendría la capacidad de compartirla - eso sería una verdadera contradicción con mi trabajo y mi amor por la Madre Tierra. El regalo de Taproot me da la oportunidad de seguir dando.

Aprendí cestería tradicional de fresno y hierba dulce en la reserva de la Nación Penobscot, cuando vivía y trabajaba allí para mi tribu como geóloga en la década de 1980. Me convertí en cestera a los 30 años, como aprendiz de la difunta Madeline Tomer Shay durante 5 años. Mi bisabuela era una famosa cestera de nuestra tribu y yo la veía tejer cestas mientras crecía.

He sido mentor de hasta una docena de cesteros y varios de mis aprendices han pasado a enseñar a sus propios aprendices. Algunos de los aprendices de esos aprendices tienen ahora aprendices. Mi trabajo a largo plazo como defensor de las artes, como cofundador y director inaugural de la Maine Indian Basketmakers Alliance, ha dado lugar a una serie de nuevos cesteros en las cuatro tribus reconocidas federalmente en Maine: Maliseet, Mi'makq, Passamaquoddy y Penobscot.

Mi práctica artística refleja un estilo y un enfoque Penobscot por excelencia, basado en diseños ancestrales y en el mundo natural a través de la tradicional madera de fresno y la hierba dulce recolectadas a mano. Más recientemente, mi trabajo se centra en concienciar sobre las crisis medioambientales y del cambio climático en nuestro territorio a través de mis diseños de cestas. Desde 2021, incluyo en mi trabajo el uso de las lenguas wabanaki, en peligro de extinción, y enseño el uso de la lengua en la cestería tradicional en campamentos tribales de inmersión.

Ser artista de Taproot me llena de orgullo como portadora de cultura y valida tres décadas y media de trabajo dedicado a nuestra práctica tradicional de la cestería. Creo que esto atraerá más atención a nuestra cestería, una vez más en peligro de extinción, y a las formas en que podemos trabajar juntos como comunidad para volver a cultivar juntos nuestra práctica. En mi propio arte, podré seguir ampliando mi investigación y mis ideas de utilizar nuestra cestería para destacar temas importantes de nuestro tiempo, como las cuestiones ecológicas y el cambio climático, la revitalización de la lengua. Estas ideas también reflejan los valores de nuestra propia comunidad Wabanaki.

Shaka Zulu, becario en 2022 del National Endowment for the Arts Folk Heritage, es un maestro del diseño de trajes de la New Orleans Indigenous Masking Society, una forma de arte arraigada en la cultura indígena y africana de la ciudad. Formado con el Jefe Darryl Montana, hijo del Jefe Tootie Montana, Zulu destaca en la tradición de confección de trajes "del centro", conocida por sus diseños tridimensionales. Como Gran Jefe de los Cazadores de Plumas Doradas, sus intrincados trajes, que requieren un año de costura y diseño, se exhiben durante el Mardi Gras, la Noche de San José y el Super Sunday.

Además del diseño de trajes, Zulu conserva la tradición de África Occidental de la danza en zancos, que simboliza el equilibrio y el éxito. Iniciado en este arte sagrado hace más de 40 años, lo adaptó de forma innovadora para incluir a las mujeres creando una entidad de danza sobre zancos para su hija, Free Spirit. Esta adaptación subraya su compromiso con la preservación cultural y la inclusión moderna.

El trabajo de Zulu va más allá de la actuación: deconstruye sus trajes de máscaras para crear obras de arte enmarcadas de edición limitada que se venden en galerías y festivales. Su dedicación a la enseñanza garantiza que las ricas tradiciones de la New Orleans Indigenous Masking Society y el baile de zancos sigan prosperando a través de las generaciones.

Ser artista Taproot significa recibir un profundo reconocimiento por mi dedicación a la preservación y promoción de las tradiciones de la New Orleans Indigenous Masking Society y el baile de zancos. Este premio me capacita para continuar mis prácticas con mayores recursos y apoyo, lo que permite un mayor compromiso de la comunidad y la transmisión cultural. Significa una validación de mi papel como líder cultural y puente entre generaciones, garantizando que nuestro rico patrimonio se mantenga y se celebre. La beca me brinda la oportunidad de ampliar mi impacto, fomentar la colaboración intergeneracional y promover la resiliencia cultural en mi comunidad. Este honor refuerza mi compromiso con la preservación cultural.

Fundador y director artístico de Agua, Sol y Sereno (ASYS), Pedro Adorno Irizarry es director de cine y teatro, actor, artista visual y gestor artístico afincado en San Juan de Puerto Rico. Comenzó su carrera en la década de 1980 con el grupo Los Teatreros Ambulantes de Cayey, dirigido por Rosa Luisa Márquez y Antonio Martorell. En 1989 se trasladó a Nicaragua para trabajar con el grupo cultural MECATE e impartir talleres de teatro en comunidades rurales. Más tarde se trasladó a Vermont, donde trabajó durante tres años con Bread and Puppet Theatre. De vuelta a Puerto Rico en 1993, fundó Agua, Sol y Sereno junto con Cathy Vigo, donde se compromete con el arte a través de la creación de máscaras, esculturas y artes visuales. Adorno ha dirigido obras del repertorio de ASYS, entre ellas "Una de cal y una de arena". También ha dirigido talleres educativos y residencias artísticas a nivel nacional e internacional, y ha participado en festivales de teatro en Europa, Latinoamérica y Estados Unidos.

En 2004, junto con Emilio Rodríguez, escribió y dirigió el largometraje "El Clown", que ganó dos premios al debut como director en el Festival de Cine Latino de Chicago 2007. Como artista visual ha creado exposiciones y participado en residencias artísticas. Ha recibido varios premios por su labor cultural. Adorno realizó un máster en Educación Artística en el Goddard College de Vermont y Seattle. Además de desempeñar su cargo como director artístico de Agua, Sol y Sereno, trabaja como profesor en el programa de Master of Arts Management de la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras.

Reafirmar nuestro compromiso de abordar la creación artística desde el saber puertorriqueño, elevando nuestra afrocaribeñidad y reconectándonos con la ancestralidad de nuestra tierra. Nos alegra que a través de nuestro trabajo, nuestros artistas del teatro, del carnaval y de nuestra tradición musical puedan recibir este merecido reconocimiento por el que nuestro pueblo ha luchado conservando su identidad. Agradezco este apoyo a nuestras operaciones artísticas, culturales y comunitarias con las que seguimos investigando nuestro trabajo para que cada historia que contamos se convierta en un lugar donde combinamos la celebración de lo que somos con un pensamiento crítico que nos ayuda a defender nuestros derechos culturales.

Ofelia Esparza, y su hija Rosanna Esparza Ahrens, representan seis y siete generaciones de retablistas, o "altristas" de su linaje materno, quienes nacieron y crecieron en el mismo pueblo llamado, Huanimaro, Guanajuato, México. Las abuelas son Martina Rodríguez (nacida en 1784), Anastacia Morado (nacida en 1800), Luz Mendoza (nacida en 1832), Hipólita Tinoco "Mamá Pola" (nacida en 1857), Matilde Tinoco (nacida en 1869), María Salud García (nacida en 1886) y Guadalupe Salazar "Mamá Lupe" (nacida en 1904).

Mama Pola, la bisabuela de Ofelia, fue la portadora de la cultura que impartió sus conocimientos sobre la elaboración de alimentos, el honor a los antepasados y las celebraciones de las fiestas indígenas a tres generaciones de sus nietas, la última de las cuales fue Mama Lupe, que a su vez trajo su cultura con ella a los EE.UU. a través de Chicago, IL. (1921), y después por el este de Los Ángeles, California (1930). Mama Lupe se convirtió en la portadora de la cultura de las generaciones posteriores y, aunque nunca se llamó a sí misma artista, su devoción por su familia y su cultura fue su forma de arte, demostrada por su ingenioso "hacer", desde la cocina a la ofrenda (de la cocina al altar). Enseñó a su hija, Ofelia (nacida en 1932), que su práctica iba más allá de la devoción; era una obligación recordar a los antepasados. Mama Lupe enseñaba a través de sus cuentos, durante la preparación de la comida o la elaboración del papel para las diferentes fiestas, a la vez que daba instrucciones meticulosas sobre cómo planificar, montar y declarar un espacio como sagrado.

Ofelia era una alumna curiosa que absorbía todo lo que le enseñaban y transmitía sus conocimientos a su familia y más allá, a su querida comunidad del este de Los Ángeles. Rosanna también fue testigo de primera mano de la energía y las enseñanzas de Mama Lupe. Ya ha asumido el papel de monaguillo, transmitiendo la tradición a las generaciones futuras. El dúo ha estado colaborando durante los últimos 20 años y Rosanna es ahora Maestra Altarista designada por su comunidad.

Ser Taproot Fellows reconoce que el trabajo que hacemos como creadores de altares ha creado una corriente de conexión y curiosidad con respecto a honrar a los ancestros y a la naturaleza en la comunidad y más allá. Este reconocimiento reconoce que el recuerdo colectivo y el duelo colectivo es una práctica esencial que profundiza en nuestra comprensión de nuestras diversas identidades indígenas que tienen un significado universal debido a nuestro parentesco con el cosmos.

Bill Harris es un maestro alfarero de Catawba. La alfarería Catawba es una forma de arte indígena que se remonta al menos 4.000 años y ha sobrevivido sin interrupción generacional. Lo que empezó como una tradición funcional se ha convertido en una verdadera forma de arte. Bill fue alumno de su abuela, la renombrada maestra alfarera de Catawba, Georgia Harris. Ella le enseñó a encontrar la arcilla necesaria para hacer cerámica Catawba en el pozo de arcilla tribal que se ha utilizado durante más de 500 años. Le enseñó a procesar la arcilla y a darle forma con espirales. También le enseñó a utilizar piedras de río para frotar las vasijas y crear la superficie lisa de la cerámica Catawba. Por último, le mostró el paso final de templar las vasijas en un fuego abierto, creando los colores negro, gris y marrón terroso del producto final.

Tras la muerte de su abuela, Bill heredó una caja de conchas marinas, cucharas rotas y otras herramientas primitivas que ella utilizó durante más de 75 años para hacer su arte. Cuando Bill ve sus manos haciendo cerámica Catawba, ve las manos de su abuela. La tradición conecta a Bill con su abuela. Aunque disfruta creando cerámica Catawba, lo que Bill considera más importante es enseñar a los demás tal y como mi abuela le enseñó a él.

Es un honor ser reconocido por una organización del calibre de ACTA y contar con recursos que contribuyan a la preservación de Catawba Pottery. Es importante recibir el reconocimiento más allá de nuestra comunidad de nuestra tradición de más de 4.000 años y el arte hecho con nuestra arcilla. El reconocimiento acreditado y externo recuerda a los ciudadanos de Catawba la importancia y el valor de nuestro arte. Es un reconocimiento a los artistas del pasado, presente y futuro de la arcilla de Catawba. Espero que este reconocimiento de la ACTA despierte una pasión en nuestra comunidad que encienda un fuego que arda durante los próximos 4.000 años.

Carolyn Mazloomi es una conocida artista, comisaria y escritora que se ha erigido en pionera, defensora y visionaria en este campo, defendiendo el reconocimiento de los edredones y artistas afroamericanos. Una de las contribuciones más notables de Carolyn Mazloomi al mundo del arte es su papel fundamental a la hora de poner de relieve el rico patrimonio y las tradiciones artísticas de las acolchadoras afroamericanas. Como fundadora de la Women of Color Quilters Network, Mazloomi ha trabajado incansablemente para promover el trabajo de las acolchadoras afroamericanas, proporcionando una plataforma para que se oigan sus voces y se celebren sus historias. A través de exposiciones, publicaciones e iniciativas educativas, Mazloomi ha contribuido a elevar el estatus de los edredones afroamericanos de artesanía a bellas artes, arrojando luz sobre la importancia cultural y la excelencia artística de estas obras a menudo ignoradas. A través de su liderazgo y tutoría, Mazloomi ha fomentado una vibrante comunidad de acolchadores afroamericanos, creando un espacio para el diálogo, la colaboración y la innovación en este campo. No sólo ha elevado el estatus del acolchado como forma de arte, sino que también ha abierto las puertas a artistas infrarrepresentados para que compartan sus historias y su creatividad con el mundo.

Además de defender a los fabricantes de edredones afroamericanos, Mazloomi es una prolífica artista conocida por sus impresionantes e innovadores edredones narrativos. Su obra, que a menudo explora temas como la identidad, el patrimonio, la justicia social y la experiencia afroamericana, se ha expuesto en museos de todo el mundo. Mazloomi, que ha ingresado en el Museo del Salón de la Fama de los Quilters, es también becaria del Patrimonio Nacional de la NEA en 2014.

Recibir la beca Taproot es la confirmación de que el trabajo que he hecho en la comunidad afroamericana del edredón tiene sentido. Los fondos de la beca me permitirán completar obras para una exposición de edredones narrativos centrados en el racismo, la clase y el género en Estados Unidos. Dado que muchos estados tienen leyes que prohíben la enseñanza de estos temas, el arte se ha vuelto más importante que nunca. Mis edredones narrativos son una forma suave de contar historias muy difíciles de la historia de nuestra nación.