Verónica Castillo là một nghệ sĩ nổi tiếng quốc tế đến từ Izúcar de Matamoros, Puebla, México, và hiện có trụ sở tại San Antonio, Texas. Khi còn rất nhỏ, dưới sự dạy dỗ của cha mẹ, các nghệ sĩ nổi tiếng Don Alfonso Castillo Orta và Doña Soledad Martha Hernández Báez, bà đã được tiếp xúc với kỹ thuật nghệ thuật làm việc trong gốm sứ đa sắc, một truyền thống được truyền từ thế hệ này sang thế hệ khác. Verónica tiếp tục xây dựng dựa trên những truyền thống này, trong khi tập trung vào các vấn đề đương đại về bất công và bất bình đẳng. Các cuộc triển lãm của cô đã đạt được sự công nhận trong nước và quốc tế, từ Smithsonian ở Washington DC đến Bảo tàng Nghệ thuật Quốc gia Mexico ở Chicago đến Museo Amparo ở Puebla, Mexico. Năm 2013, Verónica Castillo nhận được Giải thưởng Học bổng Di sản Quốc gia về Nghệ thuật Quốc gia. Vào năm 2023, Veronica đã nhận được Giải thưởng Học bổng Catalyst for a Change từ NALAC và UTSA Democracyizing Racial Justice Artist Residency. Cô là chủ sở hữu của E.V.A. (Ecos y Voces de Arte), một phòng trưng bày ở Southside của San Antonio. Cùng với một mạng lưới nghệ sĩ quốc tế, E.V.A. cung cấp không gian và hỗ trợ cho các loại hình nghệ thuật văn hóa khác nhau phát triển mạnh.

Tôi có lòng biết ơn sâu sắc đối với công việc của tôi với nghệ thuật và với cộng đồng xung quanh tôi. Tôi làm việc với các yếu tố của cuộc sống: nước, đất, lửa và không khí. Tôi sẽ không phải là phẩm chất của mình như một con người nếu tôi không đánh giá cao tất cả những gì cuộc sống đã cho tôi trở thành một người quản lý trong việc định hình và đưa ra tiếng nói trên trái đất. Nếu tôi không có khả năng chia sẻ di sản mà tổ tiên tôi đã ban cho tôi thông qua nghệ thuật này, nếu tôi không chia sẻ nó với người khác, tôi sẽ rơi vào mâu thuẫn. Rằng tôi sẽ tìm kiếm công lý cho Mẹ Trái đất và không có khả năng chia sẻ nó - đó sẽ là một mâu thuẫn thực sự với công việc và tình yêu của tôi đối với Mẹ Trái đất. Món quà của Taproot cho tôi cơ hội để tiếp tục cho đi.

Tôi đã học được tro và giỏ cỏ ngọt truyền thống trong khu bảo tồn Penobscot Nation, khi tôi sống và làm việc ở đó cho bộ lạc của mình với tư cách là nhà địa chất nhân viên vào những năm 1980. Tôi trở thành một nhà sản xuất giỏ ở độ tuổi 30 học việc với Madeline Tomer Shay quá cố trong 5 năm. Bà cố của tôi là một thợ làm giỏ nổi tiếng trong bộ lạc của chúng tôi và tôi đã xem bà dệt giỏ khi tôi lớn lên.

Tôi đã cố vấn cho hàng chục người làm giỏ và một số người học việc của tôi đã tiếp tục dạy những người học việc của họ. Một số người học việc của những người học việc đó hiện có người học việc. Công việc lâu dài của tôi với tư cách là một người ủng hộ nghệ thuật, với tư cách là người đồng sáng lập và giám đốc khai mạc của Liên minh các nhà sản xuất giỏ Ấn Độ Maine, đã dẫn đến một số nhà sản xuất giỏ mới trong bốn bộ lạc được liên bang công nhận ở Maine; Maliseet, Mi'makq, Passamaquoddy và Penobscot.

Thực hành nghệ thuật của tôi phản ánh một phong cách Penobscot tinh túy và cách tiếp cận dựa trên thiết kế của tổ tiên và thế giới tự nhiên thông qua gỗ tần bì được thu hoạch bằng tay truyền thống và cỏ ngọt. Gần đây nhất, công việc của tôi tập trung vào việc nâng cao nhận thức về các cuộc khủng hoảng môi trường và biến đổi khí hậu trong lãnh thổ của chúng tôi trong các thiết kế giỏ hàng của tôi. Kể từ năm 2021, tôi đã đưa việc sử dụng các ngôn ngữ Wabanaki có nguy cơ tuyệt chủng vào công việc của mình và dạy sử dụng ngôn ngữ trong giỏ truyền thống trong các trại ngâm của bộ lạc.

Trở thành một nghệ sĩ Taproot khiến tôi tự hào là một người mang văn hóa và xác nhận 3 và 1/2 thập kỷ làm việc dành riêng cho thực hành giỏ truyền thống của chúng tôi. Tôi tin rằng điều này sẽ mang lại sự chú ý nhiều hơn đến giỏ rổ một lần nữa có nguy cơ tuyệt chủng của chúng ta và những cách chúng ta có thể làm việc cùng nhau như một cộng đồng để cùng nhau trau dồi lại việc thực hành của chúng ta. Trong nghệ thuật của riêng tôi, tôi sẽ có thể tiếp tục mở rộng nghiên cứu và ý tưởng sử dụng giỏ của chúng tôi để làm nổi bật các vấn đề quan trọng của thời đại chúng ta, chẳng hạn như các vấn đề sinh thái và biến đổi khí hậu, phục hồi ngôn ngữ. Những ý tưởng này cũng phản ánh các giá trị cộng đồng Wabanaki của chúng tôi.

Shaka Zulu, thành viên Di sản Dân gian Nghệ thuật Quốc gia năm 2022, là bậc thầy về thiết kế bộ đồ của Hiệp hội Mặt nạ Bản địa New Orleans, một loại hình nghệ thuật bắt nguồn từ văn hóa Bản địa và Châu Phi của thành phố. Được đào tạo dưới sự hướng dẫn của Cảnh sát trưởng Darryl Montana, con trai của Cảnh sát trưởng Tootie Montana, Zulu xuất sắc trong truyền thống may đồ "trung tâm thành phố", được biết đến với thiết kế ba chiều. Với tư cách là Big Chief of the Golden Feather Hunters, những bộ đồ phức tạp của ông, đòi hỏi một năm may và thiết kế, được trưng bày trong Mardi Gras, St. Joseph's Night và Super Sunday.

Ngoài thiết kế phù hợp, Zulu còn bảo tồn truyền thống múa cà kheo Tây Phi, tượng trưng cho sự cân bằng và thành công. Bắt đầu với nghệ thuật thiêng liêng này hơn 40 năm trước, ông đã sáng tạo điều chỉnh nó để bao gồm phụ nữ bằng cách tạo ra một thực thể múa cà kheo cho con gái mình, Free Spirit. Sự thích nghi này nhấn mạnh cam kết của ông đối với việc bảo tồn văn hóa và hòa nhập hiện đại.

Công việc của Zulu vượt ra ngoài hiệu suất; Ông giải mã bộ đồ đeo mặt nạ của mình để tạo ra các tác phẩm nghệ thuật đóng khung phiên bản giới hạn được bán trong các phòng trưng bày và tại các lễ hội. Sự cống hiến của ông cho việc giảng dạy đảm bảo rằng truyền thống phong phú của Hiệp hội Mặt nạ Bản địa New Orleans và múa cà kheo tiếp tục phát triển mạnh qua các thế hệ.

Trở thành một nghệ sĩ Taproot có nghĩa là nhận được sự công nhận sâu sắc cho sự cống hiến của tôi trong việc bảo tồn và phát huy truyền thống và múa cà kheo của Hiệp hội Mặt nạ Bản địa New Orleans. Giải thưởng này trao quyền cho tôi tiếp tục thực hành với các nguồn lực và hỗ trợ nâng cao, cho phép sự tham gia của cộng đồng và truyền tải văn hóa lớn hơn. Nó biểu thị sự xác nhận vai trò của tôi với tư cách là một nhà lãnh đạo văn hóa và là cầu nối giữa các thế hệ, đảm bảo rằng di sản phong phú của chúng ta được duy trì và tôn vinh. Học bổng cung cấp cơ hội để khuếch đại tác động của tôi, thúc đẩy sự hợp tác giữa các thế hệ và thúc đẩy khả năng phục hồi văn hóa trong cộng đồng của tôi. Vinh dự này củng cố cam kết của tôi đối với việc bảo tồn văn hóa.

Người sáng lập và Giám đốc nghệ thuật của Agua, Sol y Sereno (ASYS), Pedro Adorno Irizarry là một đạo diễn phim và sân khấu, diễn viên, nghệ sĩ thị giác và quản lý nghệ thuật có trụ sở tại San Juan, Puerto Rico. Ông bắt đầu sự nghiệp của mình vào những năm 1980 với nhóm Los Teatreros Ambulantes de Cayey (The Traveling Theater-makers of Cayey), do Rosa Luisa Márquez và Antonio Martorell đạo diễn. Năm 1989, ông chuyển đến Nicaragua để làm việc với nhóm văn hóa MECATE và cung cấp các hội thảo sân khấu ở các cộng đồng nông thôn. Sau đó, ông chuyển đến Vermont, nơi ông làm việc trong ba năm với Nhà hát Bánh mì và Múa rối. Trở lại Puerto Rico vào năm 1993, ông thành lập Agua, Sol y Sereno cùng với Cathy Vigo, nơi ông tham gia vào nghệ thuật thông qua việc tạo ra mặt nạ, tác phẩm điêu khắc và nghệ thuật thị giác. Adorno đã chỉ đạo các tác phẩm tiết mục của ASYS, bao gồm "Una de cal y una de arena". Ông cũng đã chỉ đạo các hội thảo giáo dục và cư trú nghệ thuật ở cấp quốc gia và quốc tế, và đã tham gia các liên hoan sân khấu ở Châu Âu, Châu Mỹ Latinh và Hoa Kỳ.

Năm 2004, cùng với Emilio Rodríguez, ông đã viết và đạo diễn bộ phim truyện "El Clown", bộ phim đã giành được hai giải thưởng cho đạo diễn đầu tay tại Liên hoan phim Chicago Latino 2007. Là một nghệ sĩ thị giác, ông đã tạo ra các triển lãm và tham gia vào các chương trình lưu trú nghệ thuật. Ông đã nhận được nhiều giải thưởng khác nhau cho công việc văn hóa của mình. Adorno đã hoàn thành bằng Thạc sĩ Giáo dục Nghệ thuật tại Goddard College ở Vermont và Seattle. Ngoài việc giữ vị trí giám đốc nghệ thuật của Agua, Sol y Sereno, ông còn là giáo sư trong chương trình Thạc sĩ Quản lý Nghệ thuật tại Đại học Puerto Rico, Recinto de Río Piedras.

Để tái khẳng định cam kết của chúng tôi trong việc tiếp cận sáng tạo nghệ thuật từ kiến thức Puerto Rico, nâng cao tính Afro-Caribbeanness của chúng tôi và kết nối lại với tổ tiên của trái đất chúng ta. Chúng tôi rất vui vì thông qua công việc của mình, các nghệ sĩ của chúng tôi làm việc trong nhà hát, carnaval và truyền thống âm nhạc của chúng tôi có thể nhận được sự công nhận xứng đáng mà người dân của chúng tôi đã chiến đấu trong khi bảo tồn bản sắc của họ. Tôi biết ơn sự hỗ trợ này của các hoạt động nghệ thuật, văn hóa và cộng đồng của chúng tôi mà chúng tôi tiếp tục điều tra công việc của mình để mỗi câu chuyện chúng tôi kể trở thành một nơi chúng tôi kết hợp việc tôn vinh những gì chúng tôi đang có với một tư duy phê phán giúp chúng tôi bảo vệ các quyền văn hóa của mình.

Ofelia Esparza, và con gái Rosanna Esparza Ahrens, đại diện cho sáu và bảy thế hệ của những người làm bàn thờ, hay "altristas" từ dòng dõi mẹ của họ, tất cả đều sinh ra và lớn lên trong cùng một thị trấn được gọi là Huanimaro, Guanajuato, Mexico. Các bà ngoại là Martina Rodriguez (sinh năm 1784), Anastacia Morado (sinh năm 1800), Luz Mendoza (sinh năm 1832), Hipolita Tinoco "Mama Pola" (sinh năm 1857), Matilde Tinoco (sinh năm 1869), Maria Salud Garcia (sinh năm 1886), và, Guadalupe Salazar "Mama Lupe" (sinh năm 1904).

Mama Pola, bà cố của Ofelia là người mang văn hóa, người đã truyền đạt kiến thức của mình về làm thực phẩm, tôn vinh tổ tiên và quan sát ngày lễ bản địa với ba thế hệ cháu gái của mình, người cuối cùng là Mama Lupe, người lần lượt mang theo văn hóa của mình đến Hoa Kỳ qua Chicago, IL. (1921), sau đó là Đông Los Angeles, CA (1930). Mama Lupe trở thành người mang văn hóa cho các thế hệ tiếp theo và mặc dù bà không bao giờ tự gọi mình là một nghệ sĩ, sự tận tâm của bà đối với gia đình và văn hóa là hình thức nghệ thuật của bà, được thể hiện bằng cách "tạo ra" tháo vát của bà, từ la cocina đến la ofrenda (nhà bếp đến bàn thờ). Bà đã dạy con gái mình, Ofelia (sinh năm 1932), rằng việc thực hành của bà vượt ra ngoài sự tận tâm; Đó là một nghĩa vụ để tưởng nhớ tổ tiên. Mama Lupe đã dạy thông qua cách kể chuyện của mình, trong quá trình chuẩn bị thức ăn hoặc làm giấy cho các ngày lễ khác nhau, đồng thời hướng dẫn tỉ mỉ về cách lập kế hoạch, lắp ráp và tuyên bố một không gian là thiêng liêng.

Ofelia là một học sinh tò mò, người đã tiếp thu mọi thứ cô được dạy và truyền lại kiến thức của mình, cho gia đình và hơn thế nữa - cộng đồng Đông L. A. yêu quý của cô. Rosanna cũng là nhân chứng đầu tiên về năng lượng và những lời dạy của Mama Lupe. Cô đã khoác lên mình chiếc áo choàng của người làm bàn thờ, tiếp tục truyền thống cho các thế hệ tương lai. Bộ đôi đã hợp tác với nhau trong 20 năm qua và Rosanna hiện là người làm bàn thờ chính theo chỉ định của cộng đồng của cô.

Being Taproot Fellows thừa nhận rằng công việc chúng tôi làm với tư cách là những người làm bàn thờ đã tạo ra một nền tảng kết nối và tò mò về việc tôn vinh tổ tiên và thiên nhiên trong cộng đồng và hơn thế nữa. Sự công nhận này thừa nhận rằng ghi nhớ tập thể và đau buồn tập thể là một thực hành thiết yếu làm sâu sắc thêm sự hiểu biết của chúng ta về bản sắc bản địa đa dạng của chúng ta có ý nghĩa phổ quát vì mối quan hệ họ hàng của chúng ta với vũ trụ.

Bill Harris là một thợ gốm Catawba bậc thầy. Gốm Catawba là một loại hình nghệ thuật bản địa có niên đại ít nhất 4.000 năm và tồn tại mà không có điểm dừng thế hệ. Những gì bắt đầu như một truyền thống chức năng đã mở rộng đến một hình thức nghệ thuật thực sự. Bill là học trò của bà ngoại, bậc thầy gốm nổi tiếng Catawba, Georgia Harris. Cô đã dạy anh cách tìm đất sét cần thiết để làm gốm Catawba tại lỗ đất sét của bộ lạc đã được sử dụng trong hơn 500 năm. Cô chỉ cho anh cách xử lý đất sét và cách tạo thành đất sét bằng cuộn dây. Cô cũng chỉ cho anh cách sử dụng đá sông để chà xát chậu và tạo ra bề mặt nhẵn của gốm Catawba. Cuối cùng, cô chỉ cho anh bước cuối cùng là ủ nồi trong lửa mở, tạo ra các màu đen, xám và nâu đất của sản phẩm hoàn chỉnh.

Sau khi bà ngoại qua đời, Bill được thừa hưởng một hộp vỏ sò, thìa vỡ và các công cụ nguyên thủy khác mà bà đã sử dụng trong hơn 75 năm để tạo ra nghệ thuật của mình. Khi Bill quan sát bàn tay của mình làm đồ gốm Catawba, anh nhìn thấy bàn tay của bà mình. Truyền thống kết nối Bill với bà của mình. Trong khi anh ấy thích tạo ra đồ gốm Catawba, điều mà Bill thấy quan trọng nhất là dạy người khác giống như bà tôi đã dạy anh ấy.

Thật vinh dự khi được công nhận bởi một tổ chức tầm cỡ của ACTA và có các nguồn lực sẽ góp phần bảo tồn Đồ gốm Catawba. Điều quan trọng là nhận được sự công nhận vượt ra ngoài cộng đồng của chúng tôi về truyền thống hơn 4.000 năm của chúng tôi và nghệ thuật được làm bằng đất sét của chúng tôi. Được công nhận, công nhận bên ngoài nhắc nhở công dân Catawba về tầm quan trọng và giá trị của nghệ thuật của chúng tôi. Nó thừa nhận các nghệ sĩ trong quá khứ, hiện tại và tương lai của đất sét Catawba. Tôi hy vọng sự công nhận này của ACTA sẽ khơi dậy niềm đam mê trong cộng đồng của chúng tôi, thắp lên ngọn lửa bùng cháy trong hơn 4.000 năm tới.

Carolyn Mazloomi là một nghệ sĩ, giám tuyển và nhà văn nổi tiếng, người đã nổi lên như một người tiên phong, ủng hộ và có tầm nhìn xa trong lĩnh vực này, đấu tranh cho việc công nhận mền và nghệ sĩ người Mỹ gốc Phi. Một trong những đóng góp đáng chú ý nhất của Carolyn Mazloomi cho thế giới nghệ thuật là vai trò quan trọng của bà trong việc làm nổi bật di sản phong phú và truyền thống nghệ thuật của những người làm chăn bông người Mỹ gốc Phi. Là người sáng lập Mạng lưới Quilters Phụ nữ Da màu, Mazloomi đã làm việc không mệt mỏi để thúc đẩy công việc của những người chăn bông người Mỹ gốc Phi, cung cấp một nền tảng để tiếng nói của họ được lắng nghe và câu chuyện của họ được tôn vinh. Thông qua các cuộc triển lãm, ấn phẩm và các sáng kiến giáo dục, Mazloomi đã giúp nâng cao vị thế của mền người Mỹ gốc Phi từ thủ công đến mỹ thuật, làm sáng tỏ ý nghĩa văn hóa và sự xuất sắc nghệ thuật của những tác phẩm thường bị bỏ qua này. Thông qua sự lãnh đạo và cố vấn của mình, Mazloomi đã thúc đẩy một cộng đồng người Mỹ gốc Phi sôi động, tạo ra một không gian đối thoại, hợp tác và đổi mới trong lĩnh vực này. Cô không chỉ nâng cao vị thế của chần bông như một loại hình nghệ thuật mà còn mở ra cánh cửa cho các nghệ sĩ ít được đại diện chia sẻ câu chuyện và sự sáng tạo của họ với thế giới.

Ngoài việc ủng hộ những người làm chăn bông người Mỹ gốc Phi, Mazloomi còn là một nghệ sĩ sung mãn theo đúng nghĩa của mình, được biết đến với những chiếc mền kể chuyện tuyệt đẹp và sáng tạo. Tác phẩm của cô, thường khám phá các chủ đề về bản sắc, di sản, công bằng xã hội và trải nghiệm của người Mỹ gốc Phi, đã được trưng bày trong các bảo tàng trên khắp thế giới. Được giới thiệu vào Bảo tàng Danh vọng Quilters, Mazloomi cũng là Thành viên Di sản Quốc gia NEA 2014.

Nhận được Học bổng Taproot là sự xác nhận, công việc tôi đã làm trong cộng đồng chăn bông người Mỹ gốc Phi rất có ý nghĩa. Số tiền từ học bổng sẽ cho phép tôi hoàn thành các tác phẩm cho một cuộc triển lãm mền tường thuật tập trung vào phân biệt chủng tộc, giai cấp và giới tính ở Mỹ. Vì nhiều tiểu bang có luật cấm giảng dạy các môn học này, nghệ thuật đã trở nên quan trọng hơn bao giờ hết. Mền tường thuật của tôi là một cách nhẹ nhàng để kể những câu chuyện rất khó khăn về lịch sử của đất nước chúng ta.