Stanley Rodríguez, miembro de la Banda Kumeyaay Santa Ysabel de la Nación Iipay, es educador, profesor de lengua y cantante tribal. Es un defensor de la cultura y las tradiciones de su comunidad y desempeña diversas funciones de asesoramiento y enseñanza en las comunidades kumeyaay nativas y de San Diego. Ha ocupado el cargo electo de legislador de la tribu Santa Ysabel de la nación Iipay. Stanley es veterano de la Marina de los EE.UU., tiene un máster en Comportamiento Humano, trabajó como consejero sobre el abuso de drogas y alcohol y ahora enseña a tiempo completo, tras acabar su doctorado en Educación Superior en la UCSD.

Stan Rodriguez aprendió de su abuela y de otros ancianos kumeyaay los métodos y la cultura. Rodríguez forma parte de la junta de un grupo cuya visión es reforzar la revitalización lingüística y cultural, conocido como Advocates for Indigenous California Language Survival. Rodríguez imparte clases de lengua kumeyaay en el Kumeyaay Community College de la reserva de Sycuan desde el año 2000. El colegio está abierto a estudiantes nativos y no nativos. Rodríguez hace este trabajo en un esfuerzo por acercar la cultura nativa americana a cualquier persona dispuesta a aprender. Ha impartido talleres en el Instituto de Lenguas Indígenas del Noroeste y ha recibido apoyo de la Alianza para las Artes Tradicionales de California en sus esfuerzos por aprender ciclos de canciones tradicionales, como Wild Cat, de artistas maestros. Rodríguez actúa con regularidad y ofrece demostraciones de canciones tribales, juegos, fabricación de herramientas tradicionales y construcción de estructuras.

Shirley Kazuyo Muramoto, profesora e intérprete de koto japonés afincada en Oakland (California), creció escuchando y aprendiendo a tocar de su madre, que también era profesora de koto.

Shirley recibió sus credenciales de enseñanza de koto Shihan con honores Yushusho (máxima puntuación), y credenciales de maestría DaiShihan del Chikushi Kai de Japón. Shirley ha tocado y enseñado koto durante más de 60 años. Ampliando el repertorio de la música tradicional de koto a través de colaboraciones, arreglos y composiciones, Shirley toca el koto en varios estilos y géneros. Shirley investigó las artes escénicas tradicionales japonesas en los campos de concentración estadounidenses de la Segunda Guerra Mundial. En 2012, su proyecto recibió una subvención del Servicio de Parques Nacionales, Japanese American Confinement Sites, para convertir su investigación de décadas en el documental "Hidden Legacy: Artes escénicas tradicionales japonesas en los campos de internamiento de la Segunda Guerra Mundial (2014)". La película se emitió en la televisión pública y en las cadenas PBS de Estados Unidos y se ha proyectado en universidades de todo el mundo.

Shirley fue incluida en el Salón de la Fama de Bunka (artes culturales japonesas) en 2012, y ha formado a 4 estudiantes avanzados en pericia a través del Programa de Aprendizaje de The Alliance for California Traditional Arts. Como parte del programa Golden State of Song, administrado por Freight and Salvage, Shirley educa a alumnos de 4º curso del Distrito Escolar Unificado de Berkeley sobre la historia y la música de los campos de internamiento estadounidenses de la Segunda Guerra Mundial. Desde 2023, Shirley imparte una clase de koto en un programa de verano en el Museo y Jardines Morikami de Florida a estudiantes desde jóvenes hasta adultos.

La narrativa que provenía de los más de 120.000 japoneses y japoneses-americanos encarcelados en los campos de concentración estadounidenses de la Segunda Guerra Mundial era que los japoneses-americanos no eran considerados "estadounidenses" aunque hubieran nacido aquí. El resultado fue la supresión de prácticas culturales para asimilarse rápidamente a la vida estadounidense. Se avergonzaban de que la gente no confiara en ellos por el mero hecho de ser de ascendencia japonesa. Debido a esto, quedamos muy pocos practicantes culturales de las artes japonesas. Es imperativo que los artistas tradicionales nos esforcemos por mantener vivas las artes en nuestras comunidades. Es parte de nuestra identidad, de entender quiénes somos.

Roy Hirabayashi, cofundador de San Jose Taiko (SJT) en 1973, celebró recientemente 50 años componiendo y tocando el taiko y el shinobue (tambor japonés y flauta de bambú). Por los años de construcción de la comunidad a través de SJT, él y su esposa, PJ, fueron galardonados con la Beca del Patrimonio Nacional 2011 de la Fundación Nacional de las Artes. Roy también ha recibido el SV Creates Legacy Laureate, el San Jose Arts Commission Cornerstone of the Arts, y ha sido mentor en el Alliance for California Traditional Arts Master Program. En 2017, actuó en el Smithsonian Folklife Festival y en la Library of Congress Noontime Series y sigue actuando y dirigiendo talleres a nivel internacional.

La influencia de Roy va mucho más allá de su comunidad local. Es una figura respetada en la comunidad artística nacional, y ha formado parte de los consejos de Western Arts Alliance, Japantown Community Congress de San José, School of Arts & Culture at Mexican Heritage Plaza y SVCreates. Como miembro fundador de 1st ACT Silicon Valley, el Multicultural Arts Leadership Institute y la Taiko Community Alliance, ha dejado una huella indeleble en el panorama artístico. Actualmente forma parte del Consejo de las Artes de California. Su liderazgo ha sido reconocido con el Premio al Liderazgo John W. Gardner del American Leadership Forum Silicon Valley y en la Delegación de Liderazgo Japonés-Estadounidense del Consejo de Japón de 2017. En 2023, recibió la beca California Arts Council Legacy Individual Artist Fellowship, y el gobierno japonés le concedió la prestigiosa Orden del Sol Naciente con Rayos de Oro y Plata, testimonio de su impacto global.

PJ Hirabayashi es una pionera del movimiento taiko norteamericano. Es practicante, profesora, intérprete y portadora de la cultura del taiko, el tambor japonés. Es directora artística emérita y miembro original de San José Taiko, el tercer grupo de taiko que se formó en Estados Unidos en 1973. Su casa está en San José Japantown, en las tierras no cedidas de los Muwekma Ohlone. Es uno de los tres últimos Japantowns históricos que quedan en EE.UU. y que ha adoptado el taiko como expresión cultural de la comunidad. PJ es un constructor de la comunidad y un catalizador en la ampliación de la visibilidad, la preservación y la vitalidad de San José Japantown.

Su composición emblemática "Ei Ja Nai Ka" se interpreta en todo el mundo y conmemora la vida de los inmigrantes a través de la percusión, la danza y el canto del taiko. En 2008 fundó "TaikoPeace", un movimiento para difundir la energía cinética, la vibración espiritual y la alegría pura de los tambores taiko japoneses para inspirar un cambio social positivo y un mundo en paz. "Peace" es el acrónimo de "Partnerships, Empathy, And Creative Empowerment" (asociaciones, empatía y empoderamiento creativo).

PJ comparte su trabajo y su pasión por el taiko con su marido, Roy Hirabayashi. En 2023, celebraron sus 50 años de trabajo con el taiko. Juntos, han sido honrados por su dedicación y liderazgo en las artes al recibir premios a toda una vida de logros: "Artist Legacy Laureate" de Silicon Valley Creates, "Cornerstone of the Arts" de la ciudad de San José y "National Heritage Fellowship for Traditional and Folk Arts" de la National Endowment for the Arts.

Como artistas de Taproot, viviremos a través de la expresión cultural y la energía vibrante y transformadora del Taiko para recordar y transmitir la historia, el conocimiento y la sabiduría de nuestros antepasados (indígenas y de la diáspora) a las generaciones futuras con los valores del respeto, la humildad, la integridad, la perseverancia, la empatía y la gratitud. Fomentar el bienestar, el empoderamiento personal/colectivo, la conexión y la comunidad. Y apoyar el poder de nuestras artes culturales para unirnos en el espíritu de celebración y sanación de nuestra humanidad y lugar del Ser y para co-crear un planeta y un mundo sanos.

Ofelia Esparza, y su hija Rosanna Esparza Ahrens, representan seis y siete generaciones de retablistas, o "altristas" de su linaje materno, quienes nacieron y crecieron en el mismo pueblo llamado, Huanimaro, Guanajuato, México. Las abuelas son Martina Rodríguez (nacida en 1784), Anastacia Morado (nacida en 1800), Luz Mendoza (nacida en 1832), Hipólita Tinoco "Mamá Pola" (nacida en 1857), Matilde Tinoco (nacida en 1869), María Salud García (nacida en 1886) y Guadalupe Salazar "Mamá Lupe" (nacida en 1904).

Mama Pola, la bisabuela de Ofelia, fue la portadora de la cultura que impartió sus conocimientos sobre la elaboración de alimentos, el honor a los antepasados y las celebraciones de las fiestas indígenas a tres generaciones de sus nietas, la última de las cuales fue Mama Lupe, que a su vez trajo su cultura con ella a los EE.UU. a través de Chicago, IL. (1921), y después por el este de Los Ángeles, California (1930). Mama Lupe se convirtió en la portadora de la cultura de las generaciones posteriores y, aunque nunca se llamó a sí misma artista, su devoción por su familia y su cultura fue su forma de arte, demostrada por su ingenioso "hacer", desde la cocina a la ofrenda (de la cocina al altar). Enseñó a su hija, Ofelia (nacida en 1932), que su práctica iba más allá de la devoción; era una obligación recordar a los antepasados. Mama Lupe enseñaba a través de sus cuentos, durante la preparación de la comida o la elaboración del papel para las diferentes fiestas, a la vez que daba instrucciones meticulosas sobre cómo planificar, montar y declarar un espacio como sagrado.

Ofelia era una alumna curiosa que absorbía todo lo que le enseñaban y transmitía sus conocimientos a su familia y más allá, a su querida comunidad del este de Los Ángeles. Rosanna también fue testigo de primera mano de la energía y las enseñanzas de Mama Lupe. Ya ha asumido el papel de monaguillo, transmitiendo la tradición a las generaciones futuras. El dúo ha estado colaborando durante los últimos 20 años y Rosanna es ahora Maestra Altarista designada por su comunidad.

Ser Taproot Fellows reconoce que el trabajo que hacemos como creadores de altares ha creado una corriente de conexión y curiosidad con respecto a honrar a los ancestros y a la naturaleza en la comunidad y más allá. Este reconocimiento reconoce que el recuerdo colectivo y el duelo colectivo es una práctica esencial que profundiza en nuestra comprensión de nuestras diversas identidades indígenas que tienen un significado universal debido a nuestro parentesco con el cosmos.

Meklit Hadero es una vocalista, compositora, estratega cultural y ex refugiada etíope afincada en San Francisco, conocida por sus electrizantes actuaciones y su vibrante activismo cultural. Su música Ethio-Jazz ha alcanzado los primeros puestos de las listas de músicas del mundo en Estados Unidos y Europa, y ha aparecido en el New York Times, la BBC, la NPR, la CNN, el San Francisco Chronicle y muchos otros medios. El último EP de Meklit, Ethio Blue, salió a la venta el pasado mes de marzo. Ha actuado en cuatro continentes y es muy conocida en Etiopía, su país natal, donde sus vídeos musicales se emiten a diario en la televisión nacional.

Meklit combina su práctica creativa con su pasión por el activismo cultural. Ha sido jefa de programa en YBCA (2020-2022), codirectora de la Red Poppy Art House, cofundadora del Nile Project y voz destacada en el tema musical de ONU Mujeres. Meklit ha dado charlas en múltiples escenarios TED, en la ONU y en la Cumbre de Narradores de National Geographic.

Meklit es explorador de National Geographic y becario TED Sr., y ha colaborado con músicos de renombre mundial, como Kronos Quartet, Andrew Bird, Preservation Hall Jazz Band y el legendario fundador de la música funk, Pee Wee Eliis. Meklit es el anfitrión y cofundador de Movement, un podcast, una serie radiofónica y un programa en directo que presenta las canciones y las historias de músicos inmigrantes, y que se emite a casi 3 millones de oyentes como un programa sindicado a nivel nacional en PRX's The World. El hijo de cinco años de Meklit es una de sus mayores inspiraciones musicales.

Ser Artista Taproot es un apoyo increíble, por el que estoy muy agradecida. Aprecio *especialmente* el hecho de que se trate de una ayuda operativa general, y que se haya puesto tanto cuidado y sensibilidad cultural en cada paso del diseño del programa. Esta beca se basa en la confianza en los artistas que llevan toda la vida haciendo un trabajo que florece a partir de la práctica comunitaria. Lo sentimos. También estoy muy contenta de tener la oportunidad de seguir invirtiendo en mi comunidad a través de esta beca.